United Colors Nordic-Spain by Artishow
Fechas / Desde
28/11 – 20/12 2024
Inauguración:
28/11 – 20/12 2024
Desde: 19:00 con invitación a partir de las 20:00 abierto a todo el público.
Salón de exposiciones:
Picasso
Todos los viernes de 17:00-19:00 personal a su disposición en el salón de exposiciones.
Resto de los días reserve su “vernissage privado” enviando un SMS
al +46 70 245 14 45
Dates / From
28/11 – 20/12 2024
Opening:
28/11 – 20/12 2024
From: 19:00 with invitation from 20:00 open to the public.
Exhibition Hall:
Picasso
Every Friday from 17:00-19:00 staff at your disposal in the exhibition hall.
Rest of the days, book a “private vernissage” by sending an SMS
to: +46 70 245 14 45
Angelica Wiik
Angelica Wiik es una artista sueca nacida en 1960 quien, desde su debút en 1985, ha realizado innumerables exposiciones tanto en galerías como en ferias por toda Suecia y hoy es una artista muy valorada y solicitada.
Artista contemporánea que es amada por su público por sus pinturas explosivas y expresivas de color. Es el feminismo pronunciado y el amor por las personas, los paisajes urbanos y los animales lo que hace que sus pinturas destaquen. Además, no es tímida a la hora de colorear o elegir motivos. Sus cuadros son como hermosos sueños con músicos en los tejados y perros en las ventanas. Son imágenes que seducen al espectador que quiere ser seducido. Son imágenes que te hacen feliz al mirar.
El entusiasmo por la vida y la alegría de vivir de Angelica Wiik burbujean en estas imágenes, mientras que quienes conocemos a Angelica sabemos que hay un espíritu de lucha cuando se trata de todos los animales de la tierra. Angelica es vegana precisamente por esta razón.
Angelica Wiik is a Swedish artist born in 1960 who, since her debut in 1985, has had countless exhibitions both at galleries and fairs around Sweden and is today a highly valued and sought-after artist.
A contemporary artist who is loved by her audience for her colour- explosive and expressive paintings. It’s the feminism and the love for the people, the urban landscapes and animals that make her paintings stand out. Moreover, she is not shy when it comes to coloring or choosing motifs. Her pictures are like beautiful dreams with musicians on the roofs and dogs in the windows. These are images that seduce the viewer who wants to be seduced. These are pictures that make you happy just to look at.
Angelica Wiik’s zest for life and joie de vivre are bubbling in these pictures, while those of us who know Angelica are aware that there is an underlying fighting spirit when it comes to all the animals on earth. Angelica is vegan precisely for this reason.
Antonio Soler
Con su estudio en Madrid y una trayectoria internacional, Antonio Soler es un escultor cuya visión artística es tan libre como tenaz. Su obra desafía cualquier encasillamiento, moviéndose en un terreno cercano al expresionismo, pero profundamente influenciado por el Barroco. Soler se distingue por su honestidad y maestría, llevando cada pieza desde la concepción inicial hasta el acabado final con un profundo respeto por la materia. En sus esculturas, busca capturar la pureza del alma y la esencia de la naturaleza humana, tejiendo una melodía de pasiones y emociones que dialogan con la piedra. Cada una de sus creaciones refleja un proceso íntimo de conexión y diálogo entre el artista y el material, manifestando lo más auténtico de la condición humana.
With his studio in Madrid and an international trajectory, Antonio Soler is a sculptor whose artistic vision is as free as it is tenacious. His work defies categorization, moving in territory close to expressionism but deeply influenced by the Baroque. Soler stands out for his honesty and mastery, taking each piece from the initial conception to the final finish with a profound respect for the material. In his sculptures, he seeks to capture the purity of the soul and the essence of human nature, weaving a melody of passions and emotions that engage in dialogue with stone. Each of his creations reflects an intimate process of connection and dialogue between the artist and the material, manifesting the most authentic aspects of the human condition.
Carlos Menéndez
Carlos Menéndez (1962, Madrid). Impenitente viajero, que con 18 años se fue a recorrer Sudamérica. En el año 1998 decidió poner fin al viaje iniciático de su vida y se instaló en Madrid hasta el 2006, momento en el que se trasladó a Murcia, donde inició el fascinante periplo plástico y artístico, que aunque siempre estuvo muy presente en su vida, nunca lo pensó desde el punto de vista profesional y mucho menos a tiempo completo.
Toda esta experiencia vital, el conocer y compartir con otras culturas, los recuerdos y momentos que aporta el “viaje”, se ven reflejados en su obra de una manera definitiva. Desde siempre tuvo una gran inquietud artística que se vio fomentada por estas circunstancias que despertaron una intensa curiosidad por la Historia del Arte y más concretamente, un enorme interés por la ejecución de la producción artística.
El perfil artístico puede ser definido como la de un artista multidisciplinar, interesado en el arte social y pictórico, cercano a la figuración realista en el mundo de la pintura, donde trabaja especialmente el retrato psicológico, que combina con técnicas tradicionales de la pintura al óleo. Actualmente trabaja en su proyecto personal de creación y gestión de obra artística, que compagina con su labor en el grupo de arte y creación Trazo6.
Carlos Menéndez (1962, Madrid). An unrepentant traveler, who at 18 set off to explore South America. In 1998, he decided to end the initiatory journey of his life and settled in Madrid until 2006, when he moved to Murcia, where he began the fascinating artistic and plastic journey. Although art had always been very present in his life, he had never considered it from a professional standpoint, and much less as a full-time occupation.
All of this life experience—getting to know and share with other cultures, the memories, and moments brought by “travel”—is reflected definitively in his work. He had always had a strong artistic drive, which was nurtured by these circumstances that awakened a deep curiosity for the History of Art and, more specifically, a great interest in the execution of artistic production.
His artistic profile can be defined as that of a multidisciplinary artist, interested in social and pictorial art, close to realistic figuration in the world of painting, where he especially works on psychological portraiture, combining it with traditional oil painting techniques. He is currently working on his personal project involving the creation and management of artistic work, which he combines with his work in the art and creation group Trazo6.
Fernando Sáenz de Elorrieta
Nacido en Cartagena -1961
Escultor autodidacta. Especializado en esculturas en todo tipo de metales, bronce, hierro , acero inoxidable , acero corten. Nunca estudió Bellas Artes porque estaba lejos de las posibilidades familiares, remotas cuando falleció prematuramente su padre. Sí enfermería, que estaba en Cartagena, e ingresó en la Marina. Hace 25 años le compró a sus niños una pella de barro para sus trabajos manuales, y al meter la mano descubrió que aquello le divertía. Así que se apuntó en la Universidad Popular a las clases de Dora Catarineu, que tanto le influyó. Posteriormente pasó a ser alumno de Maite Defruc. Algunas de sus obras son iconos en España una de ellas en la famosa Cola de Ballena en Cartagena. Sus grandes temas son el mar, lo humano, lo taurino y otros temas como el baile, por ejemplo, una serie de gitanas. Constituye todo un reto crear movimiento con algo tan rígido como el hierro.
Carlos Menéndez (1962, Madrid). An unrepentant traveler, who at 18 set off to explore South America. In 1998, he decided to end the initiatory journey of his life and settled in Madrid until 2006, when he moved to Murcia, where he began the fascinating artistic and plastic journey. Although art had always been very present in his life, he had never considered it from a professional standpoint, and much less as a full-time occupation.
All of this life experience—getting to know and share with other cultures, the memories, and moments brought by “travel”—is reflected definitively in his work. He had always had a strong artistic drive, which was nurtured by these circumstances that awakened a deep curiosity for the History of Art and, more specifically, a great interest in the execution of artistic production.
His artistic profile can be defined as that of a multidisciplinary artist, interested in social and pictorial art, close to realistic figuration in the world of painting, where he especially works on psychological portraiture, combining it with traditional oil painting techniques. He is currently working on his personal project involving the creation and management of artistic work, which he combines with his work in the art and creation group Trazo
IdeasDpapel
El dibujo es nuestra principal forma de expresión desde nuestro paso por la
Escuela de Arquitectura.
Después de abordar nuestras obras con diferentes técnicas, desde hace unos años
nos hemos centrado en la técnica de COLLAGE, nuestra favorita, que nos permite una gran expresividad.
Utilizamos principalmente periódicos y revistas donde encontramos todo tipo de colores, texturas, imágenes y reseñas que nos sirven para que cada obra sea impactante, única e irrepetible.
Nuestra formación como arquitectos nos ha llevado a que prevalezca el paisaje urbano, pero también realizamos retratos que se personalizan con escenas relacionadas con la persona retratada consiguiendo gran calidez y expresividad. Hay que destacar también que nuestras obras evolucionan en función del tipo de papel que utilicemos en cada momento, aprovechando intencionadamente los cambios de tonalidad que se producen en el mismo a lo largo del tiempo.
Se trata pues, de obras “vivas”.
Nuestro lema: “Acercarse para ver, alejarse para comprender”.
Drawing has been our main form of expression since our time at the School of Architecture.
After approaching our works with different techniques, for several years now we have focused on the COLLAGE technique, our favorite, which allows us great expressiveness.
We mainly use newspapers and magazines where we find all kinds of colors, textures, images, and reviews that help make each work impactful, unique, and unrepeatable.
Our training as architects has led us to favor the urban landscape, but we also create portraits personalized with scenes related to the person being portrayed, achieving great warmth and expressiveness.
It is also worth noting that our works evolve depending on the type of paper we use at any given moment, intentionally taking advantage of the tonal changes that occur in it over time.
These are, therefore, “living” works.
Our motto: “Come closer to see, move away to understand.”
Juan Francisco Gómez Cambronero
El realismo pictórico es lo que más atrae a la visión artística de Juan Francisco. Sin embargo, no se opone a fusionar ese estilo con el expresionismo figurativo, característico de su personalidad creativa. La capacidad de generar preguntas en el observador es una base de su individualidad como artista.
No hay retos ante los que el artista se eche atrás. De hecho, no espera; los busca. A Juan Francisco no le intimida ningún tema, desde las tradiciones manchegas hasta los entornos urbanos más modernos, desde las celebraciones hasta el retiro, desde lo caótico hasta lo sereno. Su arte es dinámico, como las gotas de lluvia sobre el pavimento. Resuena como un niño que no se ve afectado por los problemas de la vida, como una oración que resuena en una mezquita perdida en una calle silenciosa.
Gómez-Cambronero logra lo que los artistas buscan. Tiene una manera de comunicar; se abre, captura y lo logra. El resultado es una forma de arte de alto impacto visual y dinámica. La madurez de su visión artística ha cautivado al público, ganándole varios premios tanto a nivel nacional como internacional. Ha participado en muchas exposiciones de arte, ilustrado varios libros y ha acentuado espacios urbanos con esculturas realistas de corte hechas de barras de hierro y cobre.
Pictorial realism is what most attracts Juan Francisco’s artistic vision. However, he is not opposed to merging this style with figurative expressionism, which is characteristic of his creative personality. The ability to generate questions in the observer is a cornerstone of his individuality as an artist.
There are no challenges that the artist shies away from. In fact, he doesn’t wait for them; he seeks them out. No subject intimidates Juan Francisco, from La Mancha traditions to the most modern urban environments, from celebrations to solitude, from chaos to serenity. His art is dynamic, like raindrops on the pavement. It resonates like a child unaffected by life’s troubles, like a prayer echoing in a mosque hidden on a quiet street.
Gómez-Cambronero achieves what artists strive for. He has a way of communicating; he opens up, captures, and succeeds. The result is a form of art that is visually impactful and dynamic. The maturity of his artistic vision has captivated audiences, earning him several awards both nationally and internationally. He has participated in numerous art exhibitions, illustrated several books, and enhanced urban spaces with realistic sculptures made of iron and copper rods.
Martina Ehrenborg
PIntora figurativa y abstracta de Gotemburgo, Suecia.
Utiliza diferentes técnicas y medios para sus obras, pero principalmente acuarela y acrílico. Sus obras se han vendido a muchos países diferentes alrededor del mundo. Ehrenborg también ha sido artista digital y escultora durante muchos años. En Nueva Zelanda trabajó para el cineasta Peter Jackson. Mientras estuvo allí pintó texturas para personajes animados en largometrajes como El hobbit, Los juegos del hambre y El planeta de los simios. Ehrenborg piensa que trabajar con efectos visuales fue una experiencia increíble y le encantó ser parte de grandes producciones, sin embargo, crear su propio arte y poder pintar lo que sea que esté en su mente es un sueño que siempre ha tenido. Martina Ehrenborg tiene una forma especial de ver el mundo. Ella ve el mundo en colores, como un lienzo interior en su mente.
Ve letras, números, días, semanas, tiempo, música y sentimientos en diferentes colores y formas. Para ella, la letra M siempre es amarilla, el martes es blanco, agosto es rojo, el número 8 es negro. Esta forma de ver el mundo se llama sinestesia y está causada por una mutación genética que produce conexiones más fuertes entre ciertas partes del cerebro. Las personas con esta condición experimentan asociaciones inusuales y una especie de “cruce” de los sentidos. Ehrenborg ve su sinestesia como un don. Como un sentido “oculto” adicional , no quiere vivir sin él. Cree que le da mucha inspiración e ideas. Pinta lo que siente y lo que ve en su mente. Espera emocionar a las personas con sus pinturas, que se lleven una fuerte impresión, o tal vez una mezcla de sentimientos y emociones que no se pueden describir fácilmente con palabras. Martina Ehrenborg cree que a veces el corazón y la mente ven lo que es invisible para los ojos. Cree que es mágico cómo podemos crear mundos asombrosos dentro de nosotros. Ehrenborg realmente cree que todos necesitamos un poco de magia en nuestras vidas, para poder escapar de la gravedad de este mundo duro.
Figurative and abstract painter from Gothenburg, Sweden.
She uses different techniques and mediums for her works, but mainly watercolor and acrylic. Her works have been sold to many different countries around the world. Ehrenborg has also been a digital artist and sculptor for many years. In New Zealand, she worked for filmmaker Peter Jackson. While there, she painted textures for animated characters in feature films such as The Hobbit, The Hunger Games, and Planet of the Apes. Ehrenborg thinks that working with visual effects was an incredible experience, and she loved being part of major productions. However, creating her own art and being able to paint whatever is on her mind is a dream she has always had. Martina Ehrenborg has a special way of seeing the world. She sees the world in colors, like an inner canvas in her mind.
• She sees letters, numbers, days, weeks, time, music, and feelings in different colors and shapes. For her, the letter M is always yellow, Tuesday is white, August is red, and the number 8 is black. This way of seeing the world is called synesthesia, and it is caused by a genetic mutation that produces stronger connections between certain parts of the brain. People with this condition experience unusual associations and a kind of “crossing” of the senses. Ehrenborg sees her synesthesia as a gift, like an additional “hidden” sense, and she doesn’t want to live without it. She believes it gives her a lot of inspiration and ideas. She paints what she feels and what she sees in her mind. She hopes to move people with her paintings, to leave them with a strong impression, or perhaps a mix of feelings and emotions that cannot easily be described with words. Martina Ehrenborg believes that sometimes the heart and mind see what is invisible to the eyes. She thinks it’s magical how we can create amazing worlds within ourselves. Ehrenborg truly believes that we all need a little magic in our lives to be able to escape the gravity of this harsh world.
Miguel Ramón Monegal
Licenciado en Biología, su interés por el arte comenzó desde joven, asistiendo a clases de pintura en diversas academias. Su pasión por la escultura comenzó hace más de 20 años en el taller de la escultora María Isabel Ballester, donde asistió a clases durante varios años. Posteriormente, continuó formándose en diferentes cursos. Recibió una beca para asistir a un curso en el Escorial impartido por el escultor Julio López. Durante muchos años compartió su profesión de biólogo junto con la escultura, hasta que hace 6 años decidió dedicarse exclusivamente al arte en su propio Taller Galería. Trabaja principalmente el modelado en arcilla y muchas de sus obras terminan fundiéndose en diferentes materiales: cemento, pasta de cuarzo, bronce y otros. Su tema principal es el ser humano, plasmando sus inquietudes, su lucha interior.
Bachelor’s degree in Biology, his interest in art began at a young age, attending painting classes in various academies. His passion for sculpture started more than 20 years ago in the workshop of sculptor María Isabel Ballester, where he attended classes for several years. He then continued his training through different courses. He received a scholarship to attend a course in El Escorial taught by sculptor Julio López. For many years, he shared his profession as a biologist along with sculpture until six years ago, when he decided to dedicate himself exclusively to art in his own Workshop Gallery. He primarily works with clay modeling, and many of his works end up being cast in different materials: cement, quartz paste, bronze, and others. His main theme is the human being, reflecting his concerns and inner struggle.
Pilar Correa
Artista Mallorquina de Palma.
Autodidactica, esta artista plasma en sus lienzos un universo de emociones, mujeres que parecen traspasar el umbral del tiempo. Correa es especialista en plasmar rostros femeninos, los cuales rebosan sensualidad y centran toda la atención en las miradas. Aunque en ocasiones puntuales Correa recurre a modelos, la gran mayoría de sus obras son fruto de su imaginación, al igual que uno de sus grandes referentes: la pintora mexicana Frida Kahlo. Forma parte de los grupos ProArte y Cultura de Mayte Spínola.
Mallorcan artist from Palma. Self-taught, this artist captures a universe of emotions on her canvases, featuring women who seem to transcend the threshold of time. Correa specializes in portraying feminine faces, which overflow with sensuality and draw all attention to their gazes. Although Correa occasionally uses models, the vast majority of her works are products of her imagination, much like one of her great references: the Mexican painter Frida Kahlo. She is a member of the ProArte and Cultura groups of Mayte Spínola.
Stefan Wentzel
Soy un artista/ilustrador autodidacta. Nacido y criado en el suburbio de Hässelby en Estocolmo. Hay mucho hormigón, pero también zonas verdes muy bonitas y mucha cultura, la cual ofrece mucha inspiración.
En muchos sentidos, el arte ha formado gran parte de mi vida, ya que mi abuela era artista y donde ella siempre podías pintar cuando eras pequeño, lo que me parecia muy divertido. Mis abuelos y mis padres también eran y son grandes admiradores del arte, así que crecí con mucho arte en diversas formas a mi alrededor y siempre sentí animado a pintar y esculpir, estoy muy agradecido por todo esto hoy en dia. Cuando era pequeño pintaba un poco al óleo pero en mi juventud el graffiti le sobrepaso y esto es algo que se puede ver reflejado en mi arte hasta el día de hoy. Pero con la edad adquieres otros intereses y te percatas de entornos urbanos y edificios con mucho detalle.
La imaginación también juega un papel importante en mi creación porque todas la vivencias y lo que ves en la vida lo llevas contigo al arte, donde cada pintura y escultura tiene un mensaje y una historia. Ahora siento que he encontrado mi propio estilo, donde mezclo realismo, surrealismo, graffiti, colores fuertes y muchos detalles divertidis y espaciales. Probablemente uno nunca deje de desarrollarse y me gusta probar nuevos medios y técnicas, pero la idea básica siempre permanece conmigo. Lo que quiero con mi arte es que sepas que es un Wentzel lo que tienes en la pared y que el espectador vea y pueda leer cosas nuevas cada vez que lo mire, que seas feliz y, con suerte pueda crear su propia interpretación e historias basadas en sus propios pensamientos y experiencias. Puede ser esa calle por la que caminaste a la vez, amor, felicidad pero también tristeza. Idealmente, quiero que seas tan feliz que puedas continuar el día con una sonrisa en tu rostro. Solo entonces estoy verdaderamente satisfecho.
I am a self-taught artist/illustrator. Born and raised in the suburb of Hässelby in Stockholm. There is a lot of concrete, but also very beautiful green areas and a lot of culture, which offers much inspiration. In many ways, art has formed a large part of my life, as my grandmother was an artist, and she always let me paint when I was little, which I found very fun. My grandparents and my parents were and are also great admirers of art, so I grew up with a lot of art in various forms around me and always felt encouraged to paint and sculpt. I am very grateful for all of this today. When I was young, I painted a little in oils, but in my youth, graffiti took over, and this is something that can still be seen reflected in my art today. However, as you age, you acquire other interests and become aware of urban environments and buildings with a lot of detail.
Imagination also plays an important role in my creation because all the experiences and what you see in life accompany you into art, where each painting and sculpture has a message and a story. Now I feel that I have found my own style, where I mix realism, surrealism, graffiti, strong colors, and many fun and spatial details. Probably, one never stops developing, and I enjoy trying new mediums and techniques, but the basic idea always remains with me. What I want with my art is for you to know that it’s a Wentzel that you have on your wall and for the viewer to see and discover new things every time they look at it, to feel happy, and hopefully, to create their own interpretations and stories based on their own thoughts and experiences. It could be that street you walked down once, love, happiness, but also sadness. Ideally, I want you to be so happy that you can go on with your day with a smile on your face. Only then am I truly satisfied.
Tomas Lacke
Lacke es un artista contemporáneo autodidacta tanto en pintura como en escultura. Ha estado activo desde los años 90 y tiene su estudio en Åkersberga, donde vive actualmente. Sus esculturas más grandes se pueden ver en varios lugares del pais como por ejemplo en Vaxholm junto al agua frente a Roddarhuset.
Su arte se caracteriza por grandes cuadros abstractos en tonos tierra. Tonos o motivos figurativos en blanco y negro, a menudo combinados con su esculturas talladas en acero. Con diferentes estilos y elecciones de materiales, ha construido una amplia colección tanto en pintura como en escultura donde se enfoca en la sociedad moderna.
Su estilo está influenciado por la pintura al óleo clásica, el arte callejero con elementos de imaginería religiosa. En su arte hay una fascinación por crear algo hermoso partiendo de la oscuridad que nos rodea. Lacke le da luz a la vida, al ser humano y su comportamiento.
Lacke is a self-taught contemporary artist in both painting and sculpture. He has been active since the 1990s and has his studio in Åkersberga, where he currently lives. His larger sculptures can be seen in various locations across the country, such as in Vaxholm by the water in front of Roddarhuset.
His art is characterized by large abstract paintings in earthy tones, with figurative motifs in black and white, often combined with his carved sculptures in steel. With different styles and choices of materials, he has built an extensive collection in both painting and sculpture that focuses on modern society.
His style is influenced by classical oil painting, street art, and elements of religious imagery. In his art, there is a fascination with creating something beautiful starting from the darkness that surrounds us. Lacke brings light to life, to the human being, and to human behavior.
Toni Coll
Esculturas de hierro que se expresan casi hablando. Hay personas que consiguen superar situaciones difíciles con nuevos horizontes, y la suya es la creación de esculturas con herramientas antiguas, elementos reutilizados y desechos metálicos.
El arte figurativo ha sido el foco principal en sus últimos trabajos. Texturas mediante soldadura y la creación de pátinas, siempre sobre un material recuperado, dan como resultado una apariencia peculiar. Materiales como las correas de un barril de vino, miles de nueces o restos de metal, entre otros, se convierten en arte tras darles una segunda oportunidad.
“Sé de dónde vengo, no sé dónde acabaré, pero pienso recorrer este fascinante camino que se abre ante mí.”
Iron sculptures that express themselves almost by speaking. There are people who manage to overcome difficult situations with new horizons, and hers is the creation of sculptures with ancient tools, reused elements, and metal waste.
Figurative art has been the main focus of her recent works. Textures created through welding and the development of patinas, always on recovered materials, result in a peculiar appearance. Materials such as the straps from a wine barrel, thousands of nuts, or scraps of metal, among others, become art after being given a second chance.
“I know where I come from, I don’t know where I will end up, but I plan to walk this fascinating path that opens before me.”
